La Veronal

2011-10-28T16:59:00.009+02:00

NEWS ///// ISLANDIA

Estrenada recientemente en el Sat! (Sant Andreu Teatre, Barcelona).
Premiered recently at the Sat! (Sant Andreu Teatre, Barcelona).

NEWS ///// CERTAMEN COREOGRÁFICO DE MADRID 2011

La Veronal gana el primer premio en la XXVª edición del Certamen Coreográfico de Madrid.
La Veronal wins the first prize with Moscow at the XXV edition of the competition in Madrid.

NEWS ///// MASDANZA

MOSCOW gana el TERCER PREMIO en el Certamen Coreográfico del Festival Internacional de Danza Contemporánea de Canarias.
MOSCOW wins the THIRD PRIZE at the Choreographic Contest of International Contemporary Dance Festival of Canary Islands.

NEWS ///// LOS PÁJAROS MUERTOS

El montaje inspirado en el universo de Pablo Picasso recibe el PREMIO SAN MIGUEL 2011 DE FIRATÀRREGA.
The work inspired by the world of Pablo Picasso received the FIRATÀRREGA SAN MIGUEL AWARD 2011.

NEWS ///// MODUL DANCE

Marcos Morau es el coreógrafo propuesto por el Mercat de les Flors para participar en el proyecto europeo de casas de danza.
Marcos Morau is the choreographer proposed by the Mercat de les Flors for participating in the european dance houses project.

2011-10-27T01:33:00.001+02:00

PICASSO EN RELIEVE
La Veronal sorprende con un trabajo que evoca la vida de Picasso desde el exceso galo hasta el costumbrismo castizo.

JORDI BORDES
EL PUNT / AVUI - 10/09/11

La Veronal ha aparcado su viaje por países y universos anímicos que les evocan para hacer un trabajo de investigación con una veintena de bailarines para la Fira de Tàrrega. Pájaros Muertos es un privilegio para los espectadores. La joven formación, vinculada profesionalmente a la regiduría del Mercat de les Flors, ha sabido mostrar una pieza de gran formato, con una compleja y medida coreografía sin que se le pase la cocción ni la sal de este nuevo plato. La obra se inspira en la realidad dual de Picasso, entre Francia y España. Como el pintor, han transformado el orgullo galo y el tremendismo del costumbrismo castizo en una pieza que rompe, evoca, invita a imaginar y reivindica al pintor a la vez que recuerda personajes célebres de la política y del arte indistintamente que comparten muerte en el siglo XX. Desde Hitler hasta García Lorca. Desde Benavente hasta Thomas Bernhard. Desde Lluís Companys hasta Mussolini... Todos ellos son pájaros muertos. Un espectáculo en el que la música también se distorsiona voluntariamente por momentos y que ofrece un abanico de lecturas para el espectador. Divierte y, por momentos, emociona.

2011-02-18T02:09:00.005+01:00

NEW CREATION / RÚSSIA

"Poética, inteligente e innovadora."
Carmen del Val, EL PAÍS.

"Un paraíso surrealista estéticamente perfecto y profundamente inquietante."
Bàrbara Raubert, AVUI.

Dirección Marcos Morau
Coreografía Marcos Morau en colaboración con los intérpretes
Guión y Texto Carmina S. Belda/ Pablo Gisbert/El Conde de Torrefiel
Intérpretes Lorena Nogal, Anna Hierro, Cristina Facco, Núria Guiu,
Manuel Rodríguez, Núria Navarra, Sau-Ching Wong y Tanya Beyeler
Asistente de Coreografía Cristina Goñi
Profesora Cristina Facco
Espacio La Veronal
Diseño de Iluminación Enric Planas
Música Tchaikovsky, Stravinsky, composición original de North Howling.
Fotografía Edu Pérez, Humberto Pich, Quevieneelcoco
Vestuario Mariana Rocha
Ilustración José Manuel Hortelano Pi
Manager/Producción Fani Benages Arts Escèniques
Ayudante de Producción Tanya Beyeler
Invitados Rebecca Praga/ North Howling/Ludmila Vitsheva
Con la colaboración de Cesc Gay
Una producción del Mercat de les Flors, Caer de Reus, Institut del Teatre de Barcelona.

"Nuestras relaciones no se dan porque queramos que se den, porque las deseemos. No se dan porque queramos obtener placer de esas relaciones, sino porque tenemos miedo".
Andrei Tarkovsky

El lago Baikal, situado en la región sur de Siberia, es el lago más profundo del planeta. Su volumen de aguas es tal que, si lo derramáramos en la superficie terrestre, ésta quedaría cubierta por una capa de veinte centímetros de altura.
Rússia es una imagen en movimiento, un viaje en coche hacia el lago Baikal.
Los protagonistas tienen enfrente una carretera que se hunde en el bosque.
Hay nieve en la carretera.
Rússia es grande y desconocida.
Están obligados a permanecer juntos, encerrados en el interior de un vehículo.
Pasan la noche escuchando programas de radio.
La carretera los conduce a estar cada vez más cerca del lago, sin embargo, nunca llegan a verlo. Desde el principio Rússia nace con la voluntad de no acabar nunca.
Rússia es la representación geográfica del miedo.

////////////////////////

"Poetic, intelligent and innovative."
Carmen del Val, EL PAÍS.

"A surreal paradise aesthetically perfect and deeply disturbing."
Bàrbara Raubert, AVUI.

Direction Marcos Morau
Choreography Marcos Morau in partnership with the performers
Screenplay and Text Carmina S. Belda/ Pablo Gisbert/El Conde de Torrefiel
Performed by Lorena Nogal, Anna Hierro, Cristina Facco, Núria Guiu,
Manuel Rodríguez, Núria Navarra, Sau-Ching Wong and Tanya Beyeler
Choreography Assistant Cristina Goñi
Teacher Cristina Facco
Space La Veronal
Lighting Design Enric Planas
Music Tchaikovsky, Stravinsky, original coposition by North Howling
Photography Edu Pérez, Humberto Pich, Quevieneelcoco
Costumes Mariana Rocha
Illustration José Manuel Hortelano Pi
Manager/Production Fani Benages Arts Escèniques
Production Assistant Tanya Beyeler
Guests Rebecca Praga/ North Howling/Ludmila Vitsheva
Collaboration with Cesc Gay
Produced by Mercat de les Flors, Caer de Reus, Institut del Teatre de Barcelon

“Our relationships don't occur because we want them to, because we wish them. They do not occur because we want to get pleasure from such relationships. They do because we are afraid.”
Andrei Tarkovsky

Lake Baikal, located in southern Siberia, is the deepest lake in the world. Such is its water volume that if you spill it in the Earth's surface, the planet would be covered by a layer of eight inches high.
Rússia is a moving picture, a road trip to Lake Baikal.
The protagonists are in front of a road that plunges into the forest.
There is snow on the road.
Rússia is large and unknown.
They are forced to stay together, locked inside a vehicle.
They spend the night listening to radio programs.
The road leads them to be increasingly closer to the lake, however, they never get to see it.
From the beginning, Rússia born with the will of never ending.
Rússia is the geographical representation of fear.

2011-02-17T15:03:00.024+01:00

Coreógrafo de topónimos
Bàrbara Raubert, EL PUNT AVUI 22/01/12

Pasión por la geografía
Carmen del Val, EL PAÍS 19/01/12

Picasso en relieve
Jordi Bordes, EL PUNT AVUI 10/09/11

Viaje sin retorno // Trip of no return
Bàrbara Raubert Nonell, AVUI 15/02/11

Miedo bajo copos de nieve // Fear under snow flakes
Carmen de Val, ELPAIS 12/02/2011

Acomodadores que saltan al escenario.
Toni Polo, PÚBLICO 09/02/2011

¿Subirías al coche de un desconocido?
Bàrbara Raubert, TIME OUT BARCELONA 09-15/02/11

Un coreógrafo de la casa.
Marta Cervera, EL PERIÓDICO DE CATALUNYA 08/02/11

Danza, 'road movie' y el frío de 'Rússia'.
EUROPA PRESS 07/02/11

Los acomodadores del Mercat de les Flors toman durante seis días el escenario.
EFE - LA VANGUARDIA 07/02/2011.

Road movie bajo cero.
Sara Esteller, DDANZA 02/2011.

“Me gusta desmenuzar las miserias”
Mercedes L. Caballero, SUSY-Q 02/2011.

¿Cuánto nos exigimos a nosotros mismos?
Clàudia Brufau, DANCE EUROPE

Una dosis de Veronal.
Gabriel Trindade, EL MUNDO

2011-02-15T01:43:00.008+01:00

VIAJE SIN RETORNO

BÀRBARA RAUBERT NONELL
AVUI - 15/02/11

Se titula Rússia y está planteada como un viaje hasta el lago más profundo del mundo, el Baikal, pero, como aclara en un momento dado el gigante retrovisor que hace de pantalla para subtítulos, Rússia sólo es un lugar en el cerebro de los espectadores, un paisaje etéreo creado entre los estímulos escénicos y las teclas que estos aguijones hayan podido tocar en cada espectador, que seguro que no son pocos.

Marcos Morau circula entre la tensión lynchiana y el humor de los hermanos Coen, un paraíso surrealista estéticamente perfecto y profundamente inquietante, muy cercano también a las acciones parateatrales de Jan Lauwers. Pero la juventud de este creador de origen valenciano instalado en Barcelona se nota especialmente en la energía que pone en escena y en la facilidad para ligar aspectos inconexos que en sus manos adoptan una narratividad de extrema fluidez, como los iconos rusos llorando en un paso de Semana Santa o la vestimenta y las posiciones de gimnastas deportivas entre los movimientos de danza. El papel de los ocho intérpretes, bailarines excelentes, es el de dar cuerpo a unos personajes que son pura emoción, lanzándose sin ningún tipo de reserva. Es por eso que conectan con el público, porque sienten plenamente cada uno de los energéticos pasos con los que la historia se entrelaza y se explica.

El coreógrafo juega con la flexibilidad de estos intérpretes, tanto física como emocional, y los empuja a situaciones en las que pasan de ser protagonistas a elementos causantes o simplemente a recibir la acción de los otros, y es con esa misma flexibilidad como el público debe sentarse en el teatro, aceptando la nieve o lo que sea que pueda caerle encima, porque sabe que está en buenas manos. Manos que guían y señalan un futuro ascendente en una vía sin retorno.

TRIP OF NO RETURN

BÀRBARA RAUBERT NONELL
AVUI - 15/02/11

It is entitled Rússia and is conceived as a journey to the world's deepest lake, Lake Baikal, but, as clarified at a particular time by the giant mirror that serves as a screen for subtitles, Rússia is just a place in the brains of spectators, an ethereal landscape created between the scenic stimuli and the keys that these stings have been able to play in each viewer, which certainly are not few.

Marcos Morau circulates between the Lynchian suspense and the Coen brothers' humor, a surreal paradise aesthetically perfect and deeply disturbing, very close also to the paratheatrical actions by Jan Lauwers. But the youth of this creator from Valencia installed on Barcelona is especially noticed in the energy putting in scene and his facility to link unrelated issues that take in his hands a extremely smooth narrativity, like the Russian crying icons in a Passion Week image or the gymnasts’ clothing and positions between the dance movements. The role of the eight interpreters, excellent dancers, is to fleshing out characters that are pure feeling, jumping without any reservation. That's why they connect with the public, because they feel fully each one of the energetic steps with which the story is intertwined and explained.

The choreographer plays with the flexibility of these interpreters, both physical and emotional, and pushes them to situations in which players go from being protagonists to be causal elements or simply to receive the action of others, and this flexibility is the same as the public should have when they sit in the theater, accepting snow or whatever can fall on, because they know that they are in safe hands. Guiding hands that point to a future upward on a road of no return.

2011-02-12T01:39:00.007+01:00

MIEDO BAJO COPOS DE NIEVE

CARMEN DEL VAL
ELPAIS - 12/02/2011

Poética, inteligente e innovadora es Rússia la cuarta obra del coreógrafo valenciano, Marcos Morau, para su compañía La Veronal. Un montaje que había despertado la curiosidad del público y que no defraudó, pues exhibió el trazo de un artista con talento, que apuesta por la originalidad. Rússia creada en colaboración con los magníficos bailarines que la interpretan se sitúa por su estética vanguardista y la dureza de su baile en la línea de Los Ballets C. de la B., la afamada compañía belga.

La fascinación que Morau siente por la geografía le ha llevado a escoger países o ciudades del mundo para situar la danza de sus emociones. Primero fue Suècia (2008), le siguió Maryland (2009) y después Finlàndia (2010). Ahora ha elegido Rusia, concretamente el Lago Baikal, situado al sur de Siberia, ─ donde nació Nureyev ─, para situar a ocho personajes que inician un viaje en coche hacia esas heladas y lejanas tierras. Viaje bello y cruel salpicado de buen baile.

Rússia ha contado con la colaboración del cineasta Cesc Gay, que ha ayudado al autor ha crear esta road movie donde se mezclan elementos cinematográficos y teatrales. La acertada atmósfera de esta obra envuelve al espectador arrastrándole hacia este interesante viaje desde el principio. El ritmo del espectáculo viene marcado por las expectativas emocionales que expresan sus intérpretes. Sus cuerpos se retuercen helados en frases coreografías fluidas y ricas. El miedo y la incertidumbre guían sus relaciones. Miedo aterrador que esculpe una danza distorsionada y visceral que contrasta con el gélido paisaje. El coreógrafo logra que cada espectador se cree en la mente su propia versión de Rusia. Lo consigue a través de las frases que se proyectan en una pantalla y de la aparición en escena de algunos símbolos que evocan la tierra de los zares, como un soldado, una bailarina luciendo un tocado tradicional o un himno.

Sin embargo la mejor baza de este espectáculo son los magníficos intérpretes, procedentes de todo el mundo, y que han contribuido en la creación de la obra. Cada uno de ellos tiene un relevante papel en solitario que enfatiza su brillo como bailarín. Si bien el trabajo coral logra una mayor efecto por la unión de las calidades de movimiento de todos ellos.

Citar los mejores fragmentos de Rússia no es fácil, pero subyugador resulta la secuencia en que el grupo baile bajo los copos de nieve, o el intenso paso a dos de Lorena Nogal y Núria Navarra al compás de la música de Las Danzas Húngaras de Brahms.

FEAR UNDER SNOW FLAKES

CARMEN DEL VAL
ELPAIS - 12/02/2011

Poetic, intelligent and innovative is Rússia, the forth piece by the Valencian choreographer, Marcos Morau, for his company La Veronal. A staging that had awakened the curiosity of the audience and that didn’t disappoint them, hence it showed the touch of an artist with talent, who bits for originality. Rússia created with the collaboration with the magnificent dancers who perform it has a similar an aesthetic avant-garde line and a dancing toughness to Les Ballets C de la B, the well-known Belgium dance company.

The fascination that Morau feels for geography has lead him to chose countries or cities of the World to set the dance of his emotions. First Suècia(2008), followed by Maryland (2009) and later Finlàndia (2010). Now, he has chosen Russia, specially the Baikal lake, placed in the South of Siberia, - where Nureyev was born-, to place eight characters that start a journey by car towards this frozen and faraway land. A cruel and beautiful journey sprinkled with good dancing.

Rússia has counted with the collaboration of the filmmaker Cesc Gay, who has helped the author to create this road movie where cinematographic and theatrical elements mingle. The wise atmosphere of this work surrounds the spectator dragging him towards this interesting journey from the beginning. The emotional expectative of the performers set the spectator’s rhythm. The performer’s bodies writhe frozen in fluid and rich choreographed phrases. Fear and uncertainty guide their relations. A terrifying fear that spits a distortional and visceral dance that contrasts with the icy landscape. The choreographer achieves to drive the spectator to create in the mind his or her own version of Russia. He achieves it through the sentences projected on the screen and the apparition on scene of some symbols that evoke the land of the tsars, as a soldier, a dancer wearing a headdress or an anthem.

Nonetheless, the best card of this show are the magnificent performers coming from all around the World, and who have contributed to the work. Each of them has relevant solos that emphasise their brightness as dancers. Although the coral work achieves a larger effect by the union of qualities of movement of all of them.

It isn’t easy to mention the best moments of Rússia, but results captivating to mention the sequence in which the group dances under the snow flakes, or the intense pas de deux between Lorena Nogal and Núria Navarra at the compass of Brahms Hungarian Dances.

2011-02-09T02:19:00.008+01:00

ACOMODADORES QUE SALTAN AL ESCENARIO
Cuatro miembros de La Veronal, que estrenan 'Rússia' en el Mercat de les Flors, trabajan en las taquillas del teatro.

TONI POLO
PÚBLICO - 09/02/2011

Marcos, Tanya, Carmina y Pablo, miembros de la compañía La Veronal, trabajan cada día en el Mercat de les Flors. Y cada noche también. Por las mañanas se dedican a la creación, a las coreografías, a los ensayos. Por la noche cortan entradas y ubican al público en las salas del espacio por excelencia de la danza en Barcelona. Son acomodadores. No es difícil saber cuántas obras han visto en la última temporada: todas.Y su bagaje cultural está en expansión constante. Pero ayer cambiaron la visión. Vivieron su primer Mercat como profesionales no de la gestión y el día a día, sino de la creación artística con el estreno de la obra 'Rússia'. Cesc Casadesús, director del Mercat de les Flors, ya tenía pensado quién cortaría las entradas y quién las seguirá cortando hasta el próximo domingo.

"Tras acabar COU en Ontinyent, nuestro pueblo, Pablo, Carmina y yo fuimos a Valencia a estudiar danza", explica Marcos Morau, director de la compañía y coordinador de acomodadores del teatro. Su pasión por la danza es su pasión por el movimiento. "Mi prima hacía gimnasia rítmica y yo flipaba", dice. Pero reconoce que no tenía la disciplina ni el orden necesarios para ser bailarín. "Yo quería crear con ellos, tengo alma de director, la gente confía en mí", dice sin ningún problema.

Y empezó a crear. De la academia de danza de Valencia, donde ya en 2005 fundó La Veronal, tras un breve período en Nueva York con una beca, pasó al Institut del Teatre de Barcelona, donde cursó tercero y cuarto de coreografía y encontró un trabajo que le dura desde hace cuatro años. Mientrastanto, se licenció. Y siguió cortando billetes los jueves, los viernes, los sábados y los domingos. Los días de función. Se convirtió en una cara conocida en el Mercat. Recuerda una anécdota divertida, cuando ganó el certamen de coreografía de Salt y Marc Olivé, programador del Mercat de les Flors, entregaba el galardón: "Me reconoció, pero no sabía de qué, le sonaba mi cara, pero no me ubicaba", explica Morau."Desde ese momento me siguió muy de cerca".

"Al principio, yo, leyendo entre líneas, veía que les costaba creer en un simple acomodador, y creo que me tuve que esforzar más que los demás precisamente por eso", dice el director. Pero el seguimiento atento de Olivé acabó por llevarle a estrenar en la Meca de la danza en Catalunya. Mantiene, sin embargo, la humildad: "Esto", dice señalando el edificio del teatro, "es la Primera División y nosotros somos de Segunda Regional, no por malos, sino por desconocidos".

La gran oportunidad.
No quieren dejar pasar la gran oportunidad: seis días en el Mercat. Seis días para pulir, con el público, una obra que tienen ampliamente concebida.Rússia es la cuarta parte del decálogo que iniciaron en 2008 con Suecia, siguieron con Maryland y el año pasado con Finlandia. El guionista, Pablo Gisbert, avanzó que esta serie de diez que plantean les llevará, después, hacia Islandia y Noruega: "El frío juega un papel muy importante", aseguró. En coproducción con el CAER de Reus y el Institut del Teatre de Barcelona, el espectáculo podría ir de gira por otras ciudades y no se descarta alguna de Rusia.

Carreteras rusas.
Siete bailarines y una actriz (Tanya Beyeler) hablan del miedo en una road movie con Rusia como telón de fondo. "El conjunto es un vaivén de emociones rápidas entre la risa y el miedo", intenta definirla Morau. La separación entre los dos conceptos es "como papel de fumar". El viaje está en el interior de uno mismo: "Y conocerse a uno mismo es lo que más miedo nos da", matiza Morau.

La función propone al espectador un viaje hacia el lago Baikal, el más profundo del mundo, mientras cae la nieve, en una atmósfera gélida. El escenario es gris, una moqueta negra lo sobrepasa, el fondo también es grisáceo y un Volvo familiar de los años ochenta, también gris, claro, es la metáfora para escenificar la road movie. El paisaje se completa con un repertorio sonoro centrado en músicos rusos. Los colores los ponen los siete bailarines, tres de la compañía y cuatro más escogidos en un exhaustivo casting entre más de 400 aspirantes.

La obra es más cinematográfica que teatral. La idea de Morau, que se confiesa muy influido por el mundo del cine, era crear una especie de plató. Curiosamente, la colaboración del cineasta Cesc Gay, convertido en una especie de tutor sin firma, redujo al mínimo los detalles para que, igualmente, dé la idea de un making off.

2011-02-09T01:27:00.001+01:00

¿SUBIRÍAS AL COCHE DE UN DESCONOCIDO?

BÀRBARA RAUBERT
TIME OUT BARCELONA N.154 - 09-15/02/11

Para aquellos a los que guste la aventura de hacer autostop y se animen a subir al coche de un desconocido con los ojos cerrados, aquí tienen un billete directo al frío polar de Rússia, uno de los paisajes surgidos de la imaginación de Marcos Morau, donde las bajas temperaturas llegan a congelar y petrificar, bajo una apariencia de inmaculada belleza, los deseos inconfesables y todo aquello que no es bonito de ver ni de sentir, pero que también forma parte de la naturaleza humana. Tal y como lo plantea – y después de haber pasado por sus anteriores montajes: Suecia (2008) y Finlandia (2010) – dirías que el blanco de la nieve es más brillante cuanto más oscura es la suciedad que se esconde bajo la nieve. Es una relación de opuestos que se amplifica por contraste y que hace pensar.

Lo cierto es que en situaciones de frío extremo no quedan muchas ganas de desnudarse ni de airear emociones, más bien apetece hacerse una bolita y quedarse bien encerrado dentro de uno mismo o dentro de casa. Quizás sea por eso que el director de La Veronal – la compañía creada en 2005 y que forma parte de una hornada de jóvenes artistas surgidos del Institut del Teatre que no ha parado de trabajar – acostumbra a situar sus historias en lugares lejanos y cubiertos de nieve, al contrario del levante que le ha visto crecer.

Vale la pena hacer un pequeño apunte personal sobre el autor y coreógrafo de esta compañía que lleva el nombre del barbitúrico con el que intentó suicidarse Virginia Wolf y que se etiquetó comercialmente como Veronal porque su descubridor tomó una dosis en un tren de Alemania y no despertó hasta llegar a Verona, Italia. Además de en los viajes por historias oscuras, a Marcos Morau, valenciano de 28 años, se le puede encontrar en todos los estrenos del teatro en el que ahora se presenta su obra, el Mercat de les Flors, y también los días que no son estreno pero que hay función, ya que es una de las personas que tan amablemente nos dirige a la butaca con el número que marca la entrada que tenemos en las manos. Y a quien nosotros ciegamente seguimos. Está claro que a Morau le gusta moverse entre sombras y desde allí dirigir las acciones de los demás. Su cara redonda detrás de unas gafas de pasta negra parece introvertida. Como la de aquél que piensa más de lo que dice, pero que hace más de lo que parece. Es una cara de alguien con buena letra, definitivamente, como demuestra la armonía formal tan depurada que se encuentra en todas sus creaciones, aunque sólo sea la superficie de aquello que quiere explicar. Aunque sea una letra muy bella para escribir cosas muy feas.

Parece ser que la primera aproximación a la danza que se le reveló fue mirando gimnasia rítmica con su prima. Los aros, las cintas y las pelotas formaban un fondo maravilloso para los movimientos desarticulados de las gimnastas, un lenguaje mudo que no paraba de llamarle. Hasta que se lanzó de cabeza y, después de una carrera meteórica con colaboraciones con los más grandes como Cesc Gelabert o el Netherlands, ahora ha llegado su momento.
Además del sencillo esteticismo de sus puestas en escena, los movimientos totalmente coreografiados de los intérpretes – sin que su creador haya sido nunca bailarín – junto a emociones a punto de explotar, crean los contrastes que han convertido a La Veronal en una compañía con estilo propio y en un período de tiempo muy corto ya ha conseguido algunos premios.

La propuesta del viaje que esta vez se encamina hacia Rússia es arriesgada y parte de la idea de la road movie. Aparte de los colaboradores habituales, Carmina S. Belda, Pablo Gisbert, El Conde de Torrefiel, y Lorena Nogal, esta vez también ha contado con los bailarines Anna Hierro, Cristina Facco, Núria Guiu, Manuel Rodríguez, Núria Navarra, Sau-Ching Wong y Tanya Beyeler, además de la mirada pausada del cineasta Cesc Gay para marcar la ruta. Todos juntos han buscado los mejores caminos y los lugares más fotogénicos para conducir la historia. Nosotros seguro que nos perdemos en ella.

2011-02-08T03:16:00.007+01:00

UN COREÓGRAFO DE LA CASA
Marcos Morau, acomodador desde hace cuatro años en el Mercat, estrena hoy en su lugar de trabajo.
El cineasta Cesc Gay ha colaborado en 'Rússia', una 'road movie' con danza.

MARTA CERVERA
EL PERIÓDICO DE CATALUNYA - 08/02/11

El Mercat de les Flors contrató hace cuatro años como acomodador a Marcos Morau, un estudiante de coreografía del Institut del Teatre. Después de llamar la atención de la profesión en diversos certámenes con La Veronal, joven compañía surgida en Valencia en el 2005, Morau estrena hoy su primer gran montaje en el que es su habitual lugar de trabajo, el Mercat de les Flors. «Esto es como jugar en primera división», dice este valenciano de 28 años a quien le cuesta explicar Rússia. «Es una especie de road movie que transcurre en Rusia, concretamente en Siberia. Jugamos con la estética del frio y la nieve y la idea del miedo». El director de cine Cesc Gay ha colaborado en el montaje.

Cine y danza se unen para hablar de la dificultad de crear pero no hay proyecciones durante el espectáculo. La idea del cine se concentra en la réplica de un set de rodaje donde transcurre la acción. «La narración es cinematográfica, muestra un filme en el que unos personajes avanzan por Siberia hacia el lago Baikal, el más profundo del planeta», explica Morau, licenciado en Coreografia en el Institut del Teatre de Barcelona y en el Movement Research de Nueva York.

Siete bailarines y una actriz.
«La pieza es atemporal y no tiene un principio y un final. Los personajes no llegan a ningún sitio», comenta el coreógrafo, que cuenta para su montaje con siete bailarines de formación clásica y una actriz. «Me gusta que haya algo de texto en las obras para dar pistas a la gente. Muchas personas, como mi madre por ejemplo, lo agradecen. No quiero que haya quien se vaya con la impresión de no entender la danza. Quiero conectar tanto con aquellos que han visto mucha danza como con los que no han visto nada», sentencia.

Rússia es «un experimento» en el que apuesta por la danza abstracta para que cada espectador se haga su película. «Utilizo a bailarinas del clásico pero su movimiento rompe cánones, porque está desdibujado, tiene algo de mimo o de cine mudo», comenta Morau, que se declara admirador del coreógrafo norteamericano William Forsythe.

Música de compositores rusos, desde melodías románticas de Chaicovski hasta piezas minimalistas, componen una banda sonora que ha tratado las piezas con una base electrónica para crear una atmósfera determinada.

Acostumbrado a estar en la platea, se le hace raro pasearse estos días por la sala principal del Mercat. «No voy a dejar mi trabajo de acomodador los fines de semana. Esta profesión es muy dura, está fatal y esto me da una estabilidad y la posibilidad de ver mucha danza, un lujo», admite este coreógrafo inquieto que ya ha escuchado como algunos profesores le advertían de que seguir como acomodador del Mercat no contribuiría a su buena imagen. «No se me caen lo anillos por trabajar en esto mientras me abro camino», dice un joven que empezó a bailar a los 18 años.

2011-02-07T03:24:00.005+01:00

DANZA, "ROAD MOVIE" Y EL FRÍO DE "RÚSSIA"

EUROPA PRESS - 07/02/11

La compañía valenciana de danza La Veronal estrenará este martes 'Rússia', un montaje monográfico sobre el país que ha contado con la colaboración del cineasta Cesc Gay.

El lenguaje de la pieza está a medio camino entre la narración y la abstracción y toma como argumento central un largo viaje hacia el lago Baikal, en el sur de Siberia, en el que los personajes, como en las 'road movies', evolucionarán enormemente; en este caso dominados por el miedo.

Con dirección y coreografía de Marcos Morau, el montaje se concentra en la base corporal y el trabajo del movimiento de los ocho bailarines, pero también en un espacio escénico de mucha riqueza estética y una música dominada por los compositores rusos.

'Rússia' es el cuarto título de un decálogo donde cada pieza se enmarca en un país o ciudad del mundo, creándose una analogía entre la danza y la topografía.

Del repertorio de la compañía destacan las piezas 'Jours de Pluie' (2008), 'Suècia' (2008), 'Maryland' (2009) y 'Finlàndia' (2010), con las que han conseguido una representación en la Bienal Internacional de Jóvenes Creadores de Europa.

El espectáculo es una coproducción con el Centre d'Arts Escèniques de Reus (Caer), el Institut del Teatre (IT) y el propio Mercat de les Flors, donde se podrá ver hasta este domingo.

2011-02-07T02:14:00.009+01:00

LOS ACOMODADORES DEL MERCAT DE LES FLORS TOMAN DURANTE SEIS DÍAS EL ESCENARIO
La compañía "La Veronal" ofrece el espectáculo de danza 'Rússia', hasta el día 13.

EFE - BARCELONA
LA VANGUARDIA - 07/02/2011

Marcos Morau, Pablo Gisbert y Tanya Beyeler, además de ser amigos, trabajan como acomodadores del Mercat de les Flors. Son tres de las personas que más danza ven en España y también forman parte de la compañía "La Veronal", que a partir de mañana y hasta el día 13 ofrece en este escenario "Rússia".

El director del Mercat, Cesc Casadesús, bromeaba hoy durante la presentación del espectáculo diciendo que ya se ve cortando entradas y dirigiendo al público hasta sus asientos para invitarles a ver la última pieza de "La Veronal", una "road movie" de la danza, que ha contado con la colaboración del cineasta Cesc Gay.

El director del montaje y la coreografía, Marcos Morau, ha explicado en rueda de prensa que durante una hora el espectador podrá descubrir el trabajo de siete bailarines y una actriz (Tanya Beyeler), en un "vaivén de emociones rápidas", con mucho movimiento, "entre la risa y el miedo".

Se trata de ofrecer al espectador un viaje hacia el lago Baikal, el más profundo del mundo, mientras cae la nieve, en una atmósfera de frío y con una dramaturgia en la que los personajes que interpretan los bailarines afloran su "mundo interior".

En este sentido, Morau ha indicado que la historia de "Rússia" empieza "en un lugar, pero en vez de ir narrativamente hacia adelante, va hacia adentro".
"Rússia" es el cuarto título de un decálogo de "La Veronal", en el que cada pieza se enmarca en un país o una ciudad del mundo, creándose una analogía entre danza y topografía.

Los otros montajes fueron "Suecia", de 2008; "Maryland", de 2009 y Finlandia, de 2010. Con ellos han conseguido varios premios en certámenes coreográficos nacionales.

Con guión y texto de Carmina S.Belda y Pablo Gisbert, los intérpretes de la obra son Lorena Nogal, Anna Hierro, Cristina Facco, Núria Guiu, Manuel Rodríguez, Núria Navarra y Sau-Ching Wong.

2011-02-01T18:15:00.007+01:00

Como Kieslowski hizo en los ochenta, La Veronal se dispone a crear un decálogo donde cada pieza se ambiente o tome como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y topografía. Las piezas no pretenden constituirse como obras documentales que describan el país de forma directa, sino que se sirve de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo el desarrollo de una idea, de un argumento.

As Kieslowski did in the eighties, La Veronal is creating a decalogue where each piece's background takes as a starting point a country or city in the world, creating an analogy between dance and topography. The pieces do not intend to become as documentary films that describe the country directly, but makes use of the elements that the name provided to carry out the development of an idea, an argument.

SUECIA////MARYLAND////FINLANDIA////RUSSIA////ISLANDIA

2011-02-01T14:50:00.007+01:00

ROAD MOVIE BAJO CERO

SARA ESTELLER
DDANZA - 02/2011

La geografía y el movimiento son, y no por este orden, dos de los intereses de Marcos Morau, director y coreógrafo de La Veronal. Después de visitar con sus obras Suecia, Finlandia y Maryland, Rusia es el siguiente punto geográfico al que llega. Una road movie en torno al siberiano lago Baikal que se estrena en el Mercat de les Flors de Barcelona (del 8 al 12 de febrero) para la que ha contado con la colaboración del cineasta Cesc Gay.

Es coincidencia que esta pieza de nombre tan evocador se estrene el año en que Rusia será país protagonista en España (y viceversa). Pero la casualidad permitirá que la séptima creación de Marcos Morau (Ontinyent, Valencia, 1982) se presente con un interés añadido en los escenarios. Coproducida por el Mercat de les Flors, el Centre d´Arts Escèniques de Reus y el Institut del Teatre de Barcelona, la obra que viene del frio caldeará la temporada con el sello de Morau, un creador inquieto y comprometido a quien la gimnasia rítmica que veía de pequeño con su prima acercó a la composición coreográfica.

El dosier de Rusia habla de ella como “la representación geográfica del miedo”. ¿A qué tienes miedo?
A todo. También al fracaso, como toda la gente de nuestra generación, que llegamos con ansias y con miedo. ¿Soy yo? ¿Quiero hacer esto? El miedo resume y abraza muy bien todo lo que queremos transmitir. Rusia va a decir cosas que me han pasado y que me dan miedo, estarán ahí sin que las diga en voz alta.

¿En qué se va a diferenciar y en que se parecerá a tus anteriores montajes?
La moda de lo multidisciplinario era un falso dios y ahora mismo hay que coger el toro por los cuernos, y yo apuesto por el movimiento, en eso se parecerá. No se parecerá en la manera de contar la historia. Intentamos hacer una road movie, una película de carretera con unos personajes que, con o sin miedo, intentan llegar a algún sitio. Antes lo hubiera contado de una forma más explícita y ahora voy a desnarrativizar y volver a la abstracción.

¿Cómo surgió la colaboración con Cesc Gay?
Nos puso en contacto un profesor mío. Nos gusta su manera de contar las cosas, su poética, nos identificamos con la lentitud, el ritmo, la melancolía; en sus películas parece que no pasa nada pero suceden muchas cosas. Le presentamos la idea y aceptó. Al principio el proyecto era hacer una película en el escenario, con cámaras, con realizadores; pero luego empezó a cambiar y esto quedó en nada. Así que queda la idea de que es una película pero no queremos hacerlo como tal. Lo despojamos de todo aquello y dejamos las personas, en un coche, movimiento, nieve… Lo que era colaboración se ha convertido en un apoyo.

¿Cuáles son las referencias en Rusia?
Hablamos mucho de Forsythe en los ensayos, sale de las bailarinas porque se parte de una distorsión de lo clásico, cogemos cosas claras y las rompemos e intentamos modular el ritmo. Algunas bailarinas vienen de Batsheva y eso se huele, a mi me gusta. Del cine me gusta mucho Andrei Tarkowsky, David Lynch...

¿Qué te gustaría que llegara al espectador?
Que la gente venga y le guste me parece un misterio. ¿Qué les va a hacer venir? y, una vez han venido ¿qué les gustará? ¿Qué quiero que perciban? Quiero que se enamoren de los bailarines, y de la pieza; y que tengan miedo.

Posible cambio de rumbo
Marcos Morau inició su formación en Alicante, la continuó en Valencia y se licenció en coreografía en el Institut del Teatre de Barcelona. Puso a su compañía el nombre de un antidepresivo, el Veronal, con el que Virginia Woolf intentó suicidarse en dos ocasiones según cuenta una de las biografías de la escritora. Bajo ese nombre conviven él y un hasta ahora equipo estable de creación formado junto a Carmina S. Belda y Pablo Gisbert, con quienes ha moldeado esta historia siberiana, y algunas de sus bailarinas más fieles como Lorena Nogal y Anna Hierro. Aunque él afirma “La Veronal soy yo y hago lo que me da la gana”. Por el mismo motivo ahora se plantea un posible cambio de rumbo.

Has sido muy precoz en tu actividad ¿Cuál es tu motor creativo?
Desde pequeño he tenido la obsesión de autorealizarme y he sido muy insistente. Soy ambicioso en ese sentido. Siempre pienso “vamos a tirar y ya nos estamparemos”. Tengo una lavadora en la cabeza y quiero contar y contar, y hacer; mi vida es esto y no tengo tiempo para otras cosas. Es verdad que he corrido demasiado, con 28 años llego al Mercat y ¿ahora qué? ¿Dónde vamos? Cuando esto acabe me quiero ir una temporada fuera, a Noruega o a Islandia a que me dé el aire, porque tengo muchas ganas de hacer cosas pero tengo que parar para encontrar el sentido de lo que hago, las cosas han ido pasando sin darnos cuenta.

Parece que tus personajes estén a la intemperie.
Me gustaría ser de otra manera pero soy así. La tristeza y la melancolía son mías y se filtra porque eso soy yo.

En uno de los textos que hay en vuestra web se dice que la danza nació para calmar el alma...
Es una frase muy bonita, es de Pablo. A mí me parece que sí, no me gusta sentenciar, pero a mí me calma. El teatro está para cambiar el mundo y la danza para calmar el alma.

2011-02-01T14:32:00.012+01:00

"ME GUSTA DESMENUZAR LAS MISERIAS"
Se siente más cómodo en la etiqueta de creador que en la de coreógrafo, y confiesa no querer cambiar el mundo con sus piezas, “sólo describirlo, contarlo en voz baja”. El frío, excusa meteorológica de los últimos trabajos de Marcos Morau, también protagoniza su nuevo estreno, Rússia, que se verá en el Mercat de les Flors.

MERCEDES L. CABALLERO
SUSY-Q - 02/2011

“Mi relación con la danza viene de una gran contradicción familiar. Yo provengo de una familia humilde de rojos y estudié en un colegio religioso sólo para hombres. Así que la danza me ayudó a rebelarme. Mi primera relación con ella fue a través de la gimnasia rítmica, la danza no llegaba a mi pueblo (Ontiyent, Valencia), y con 14 años empecé a interesarme por un grupo de gimnasia que había donde vivía. Me alucinaban las cintas, los aros… pero sobre todo empecé a fijarme en el movimiento corporal y comencé a ver mucha danza en el ordenador”. Y así se inició Marcos Morau en este arte, en el que lleva, a pesar de su juventud (nació en 1982), algunos años. Es licenciado en coreografía y técnicas de danza contemporánea en el Institut del Teatre, realizó una asistencia coreográfica en el Nederlands Dans Theater II, con 21 años se fue a Nueva York con una beca para el Movement Research, en 2006 montó su compañía La Veronal, (“en aquella época estaba obsesionado con Virginia Wolf, y ella intentó suicidarse varias veces con veronal, un antidepresivo…”), ha sido acomodador del Mercat de les Flors (“nadie sabía allí que yo tenía mi compañía y me dedicaba a la danza”), ha ganado algunos premios importantes en certámenes coreográficos, su discurso es directo y eléctrico (“lo que más me gusta del mundo es la música
clásica, Martina Hingis, los deportes artísticos, observar a la gente en la calle, la poética de Virginia Wolf y el renacimiento italiano”), admira el trabajo de Mats Ek, William Forsythe, Anne Teresa de Keersmeaker y Castellucci, y ha estrenado varias obras, muchas de ellas con nombre de lugares lejanos y fríos: Suecia, Finlandia, Maryland…, y ahora Rússia, una pieza para siete intérpretes que se suma al catálogo geográfico en el que el creador viene trabajando. “Vivo en
un lugar donde el calor es muy intenso. Y ese frío de otros países, el que yo casi no conozco, es el frío que imagino cuando trato de situar mis obras. Me gusta porque está lejos. Porque se parece a las emociones que siento y que menos entiendo, y que suelen ser el origen de mis ideas. Y eso me permite poner distancia y poder mirarlo desde fuera. Tengo una necesidad compulsiva de expresar mis sentimientos, pero al mismo tiempo dudo de ellos”.

¿Por dónde suelen girar esos sentimientos, qué le interesa contar?
El tema principal de mis obras es el de la condición humana. Y de ella me interesa el fracaso, el lado oscuro que todos tenemos, aunque “oscuro” suena incluso demasiado bonito. Sería más correcto hablar del lado sucio y podrido. Poder ver a la persona que hay detrás del maquillaje. Me gusta desmenuzar las miserias.

¿Y sobre qué miserias versa Rússia?
El tema de Rússia es el miedo. En el escenario, una pareja coge un coche e inicia un viaje hacia el lago Baikal, en Siberia. Pero no llegarán. Es como una road movie coreográfica en la que ha colaborado el director de cine Cesc Gay. La pieza avanza hacia abajo, no hacia adelante, como dice David Lynch en Mullholand Drive. La inmensidad de Rusia, la lejanía, la fuerza, lo desconocido, y, por supuesto, el frío, nos sirven para hablar del miedo.

Sin embargo, sus montajes suelen llegar envueltos en una cuidada belleza…
A veces tengo la sensación de que quienes han visto lo que hago se quedan con el embalaje, y piensan que lo que están viendo es algo “bonito”. Pero no lo es, porque todas las ideas de mis espectáculos son feas. De todos modos, no me gusta decir qué significan mis obras, me da asco describir las piezas. Yo no quiero cambiar el mundo, sólo contarlo en voz baja. Mi discurso no va directo al hígado, se queda en la garganta. Es más contemplativo. Menos italiano y más alemán. Me escudo en la discreción. Y que la gente lo vea y lo critique.

¿Sigue interesándole la mezcla disciplinaria de sus primeros trabajos?
Pues cada vez me interesa más el movimiento crudo, sin artificios. Y aunque no soy bailarín, creo desde el primer paso hasta el último. Minuciosamente. Como si metiera un barco en una botella. Con el movimiento y sus parámetros doy forma a sentimientos que ni siquiera los bailarines saben cuáles son cuando ensayan. Intento sacar de cada uno lo mejor, y me equivoco muchas veces y me da vergüenza... Lo que sí tengo, y no me puedo quitar, supongo que por mi apego a la gimnasia, es que necesito que los intérpretes tengan muchas condiciones técnicas.

¿Ha señalado ya en el mapa nuevos y fríos lugares?
Sigo en la creación de un decálogo donde cada pieza se sirva de un país o ciudad como excusa para hablar de algo que se esconde detrás de lo bello. El año que viene me quiero ir a vivir a Islandia o Groenlandia una temporada.

2011-01-31T19:07:00.002+01:00

PASIÓN POR LA GEOGRAFÍA

CARMEN DEL VAL
EL PAÍS - 19/01/12

Marcos Morau, uno de los jóvenes coreógrafos más interesantes del panorama de la danza contemporánea en España, mañana estrena Islandia en el SAT, un nuevo espectáculo de su compañía, La Veronal, que forma la quinta pieza de su decálogo de danza y geografía.

La fascinación que Morau tiene por conocer mundo le ha llevado a elegir países o ciudades alejadas del sol cenital para situar el baile de sus emociones, que suelen ir acompañadas de una fuerte carga intelectual. Primero fue Suecia (2008), después Maryland (2009), Finlandia (2010) y Rusia el año pasado, pieza que se estrenó en el Mercat de les Flors de Barcelona con un éxito destacado. Una versión sintetizada de este último espectáculo, Moscú, ha sido reconocida con el primer premio del Certamen Coreográfico de Madrid y con el premio de la Fira de Tàrrega. También ha sido galardonada en el Internacional de Danza Mas Palomas y el International Choreografhic Contest de Copenhague.

En Islandia, el autor se inspira en esta gran isla nórdica de tierra volcánica y llena de contrastes geológicos, geográficos y políticos para plantear un dilema: ahora la imagen ha desbancado a la idea que representa. Para llevar a escena esta tesis, Morau monta una conferencia real - con mesa, silla y participantes - y se lanza a recrear este análisis entre contenido y forma a través de un baile versátil y fluido, que mezcla con elementos del teatro y del cine mudo. Si en Rusia los excelentes bailarines de La Veronal mostraron un vocabulario coreográfico enérgico y cruel, con una estética vanguardista próxima a la de Los Ballets C. de la B., en Islandia el baile parte de la distorsión de la danza clásica al estilo de William Forsythe.

La blancura y la claridad de Islandia han inspirado al creador un baile nítido, sin superficialidad, y con una técnica depurada donde palpitan las preocupaciones actuales de la escena contemporánea. Las películas de Andrei Tarkovsky, la literatura de Peter Handke y la teatralidad de Roland Schimmelpfenning son fuentes de inspiración para este joven coreógrafo, con un currículum brillante. Morau, además de cursar los estudios de coreografía en el Institut del Teatre de Barcelona, obtuvo la máxima calificación con el proyecto de fin de carrera y amplió la formación en el centro de estudios de Nueva York Movement Research y el Nederlands Dans Theater II. Sus conocimientos artísticos no se limitan a la danza sino que llegan hasta otras disciplinas como la fotografía y la dramaturgia. Y una curiosidad añadida: el joven coreógrafo es, además, uno de los acomodadores del Mercat de les Flors. Un artista muy singular.

2011-01-31T18:27:00.004+01:00

COREÓGRAFO DE TOPÓNIMOS

BÀRBARA RAUBERT NONELL
EL PUNT AVUI – 22/01/2012

Marcos Morau es casi genial. "Casi", porque no sería justo aplicar un adjetivo tan grande a una persona tan joven y con tanto camino por hacer. En Islandia, la quinta de las obras con nombre de país que ha creado, dirige su mirada fresca y moderna sobre la realidad inmediata, y trabaja los elementos escénicos con una mentalidad recicladora totalmente necesaria hoy.

El nombre de Islandia no es azaroso, es el lugar donde estar hoy, un país que está experimentando una nueva democracia para salir de la crisis mundial, y que está teniendo éxito. Del mismo modo, Morau busca las raíces de la experimentación artística para salir del callejón sin salida de la modernidad, reflejando las necesidades de la sociedad junto con las individuales como artista y ante un público necesitado también de soluciones.

Para ello, sigue el método paranoico-crítico daliniano de asociación libre de ideas. Dos cuerpos tumbados representan John Lennon y Yoko Ono, después los amantes de Teruel y, cuando se ponen uno sobre el otro son Franco y Primo de Rivera. Jesucristo clavado en la cruz se convierte, con un ligero movimiento, en el mascarón de proa del Titanic. pequeños eslabones de un encadenamiento surrealista que revela grandes verdades.

Revela, de base, que esta necesidad teatral responde a la necesidad de simplificar la complejidad que nos rodea en unos pocos pasos y escenas concretas. Y toda esta reflexión, todo este caos surrealista, está maravillosamente enlazado y repartido entre una pantalla que proyecta los pensamientos del artista y el público, una mesa presidida por cinco cabezas pensantes y actuantes, y cuatro bailarines maravillosos, con una fundamentada técnica clásica puesta al servicio de la deconstrucción estructural y el desmembramiento corporal. Todos de blanco, como un paisaje nevado y deslumbrante, son un viaje obligado.

2011-01-10T01:47:00.001+01:00

2011-01-10T01:41:00.003+01:00

2011-01-02T17:58:00.009+01:00

Dirección Marcos Morau
Coreografía Marcos Morau en colaboración con los intérpretes
Intérpretes Inma Asensio, Lorena Nogal, Sau-Ching Wong, Manuel Rodríguez,
Tanya Beyeler, Carla Romero, Mònica Almirall y Nicolás Chevallier
Asistente de Coreografía Lorena Nogal
Dramaturgia y textos Pablo Gisbert - El Conde de Torrefiel
Espacio North Howling
Diseño de Iluminación Enric Planas
Música Diversos autores islandeses
Fotografía y Video Edu Pérez
Vestuario Soffía Ósk Stefánsdóttir
Manager Fani Benages Arts Escèniques
Con la colaboración de Roberto Fratini, Devir-Capa centro de artes
performativas do Algarve y El Graner espai de creació.

Islandia Images
Islandia Video

Entre otros muchos, uno de los más destacados y principales fracasos de la historia del pensamiento en Occidente ha sido comprobar que la imagen ha desbancado por completo a la idea que representa la misma imagen.
El hombre tiene su capacidad sexual centrada en la mirada, es por eso que la imagen, la victoria de lo visual, supera en creces todo lo que el resto de sentidos puedan ofrecernos. Completamente abandonados a la imagen, solamente nos queda una forma superarla: pervirtiéndola. Disociar la imagen del significado nos conduce hacia una nueva verdad. En esta reproducción se lleva a cabo una reflexión inquietante sobre la imagen y su significado, sobre las palabras y su significado. Por medio de esta reflexión intentaremos descifrar nuestros modos de representación y dotar de libertad la interpretación de los significados. Esta idea nos interesa como disparo de salida para lanzarnos a mar abierto hasta llegar a la costa del país más contradictorio del mundo: Islandia. Islandia se nos presenta como una prueba semiótica.
Islandia es una de las zonas del planeta más susceptibles al cambio, más susceptibles a desparecer debido al movimiento sísmico de las placas tectónicas sobre las que se asienta. Islandia está acostumbrada al cambio. Sabe lo que es reinventarse. En Islandia casi no hay árboles. Hay desiertos, montañas y glaciares sobre un suelo duro de basalto y lava. A pesar de encontrarse justo por debajo del círculo polar ártico tiene un clima templado, con unas temperaturas que raramente bajan de los 3 grados bajo cero. Islandia es contradictoria, no es lógica. No podemos prejuzgarla.
Islandia propone un análisis sobre la relación existente entre significante y significado. Hacemos un alto en el camino para observar los vínculos creados entre la palabra y la imagen o entre la imagen y los conceptos que ésta sugiere. Para ello, la pieza se centra en el mecanismo de reproducción y representación de un concepto, bien sea una palabra, un texto, una imagen o una canción que van directamente asociados a una acción, a un significado que puede llegar a trascender en una nueva realidad.
Disociar la imagen del significado nos conduce hacia una nueva verdad, nos conduce hacia Islandia.

Among many others, one of the most prominent and major failures in the history of Western thought has been to see that the image has completely debunked the idea that represents the same image.
The man's sexual ability is centered in the eye. The image and the victory of the visual far exceeds all the other senses can offer.
Completely abandoned to the image, we have only one way to overcome it: perverting the image. Dissociate the image of its meaning leads us to a new truth. In this reproduction is carried out a disturbing reflection on the image and its meaning on the words and their meanings.
Through this discussion we will try to decipher our modes of representation and freedom to the interpretation of meanings.
This idea interests us as a starting gun to propel us into the open sea to reach the coast of the country most contradictory of the World: Iceland. Iceland is presented as a test semiotics.
Iceland is one of the world's most susceptible to change, more susceptible to disappear due to seismic motion of tectonic plates on which it sits. Iceland is accustomed to change. It knows what is reinventing.
In Iceland there are few trees. There are deserts, mountains and glaciers on a hard floor basalt and lava.
Despite being just below the Arctic Circle has a temperate climate, with temperatures dropping below strangely 3 degrees below zero.
Iceland is contradictory, is not logical. We can not prejudge.
Iceland offers an analysis of the relationship between signifier and signified. We stop off to see the links created between word and image and between images and concepts it suggests.
To this end, the piece focuses on the mechanism of reproduction and representation of a concept: a word, a text, a picture or a song that go directly related to action toward a meaning that can transcend into a new reality.
Dissociating the image of meaning leads us to a new truth, leads us to Iceland.

2010-07-22T03:12:00.005+02:00

2010-07-22T03:06:00.005+02:00

2010-07-22T03:04:00.002+02:00

2010-07-22T02:28:00.004+02:00

2010-07-22T00:51:00.004+02:00

2010-07-21T04:32:00.008+02:00

2010-07-21T04:23:00.001+02:00

2010-07-21T04:01:00.005+02:00

2010-07-21T03:41:00.007+02:00

2010-07-21T03:27:00.003+02:00

2010-07-21T02:55:00.006+02:00

2010-07-20T14:17:00.016+02:00

2010-07-19T18:20:00.006+02:00

Dirección y Coreografía Marcos Morau
Intérpretes Meritxell Balada, Michele Mastroianni, Cristina Facco,
Cristina Goñi, Neus Masó, Anna Hierro, Pablo Gisbert y Tanya Beyeler
Vestuario Adriana Parra
Escenografía Jorge Salcedo
Diseño de Iluminación Enric Planas
Música Fläskkvartetten

Slowly Summer Sighed Images

Son las siete de la tarde y ella prepara un café que sabe que les mantendrá despiertos hasta tarde, pero no le importa. Él recuerda su infancia. Sabe que se ha convertido en alguien que no tenía previsto ser. Todas las noches, acostados en la cama, a punto de caer dormidos, se despiden. Entonces se quedan solos. Cada uno a un lado de la cama. Los dos juntos pero durmiendo solos. Él sabe que nadie le traerá un vaso de agua a la cama si da dos golpes a la pared. Él sabe que su madre no está allí para traerle un vaso de agua a la cama si da dos golpes a la pared. Él recuerda a su madre.
Sin embargo, ellos nunca duermen solos. Cada noche se acuestan con toda su vida. La habitación está llena de juegos, de vestidos, de humo, de músicos, de bailes en grupo, de personas sentadas, de personas llorando, de gente riendo, de amigos de antes, de luces de feria, de amores pasados. La habitación es el mundo de los dos pero en silencio. Un mundo que se desvanece como un lento suspiro de verano.

It is seven o’clock in the evening and she prepares a coffee even if she knows that it will keep them up late, but doesn’t care. He remembers his childhood. He knows he has become someone who didn’t plan to be. Every night, lying in bed about to fall asleep, they say goodnight. Then they are alone. One on each side of the bed. Together but sleeping alone. He knows no one will bring him a glass of water to bed if he hits twice on the wall. He knows his mother is not there to bring him a glass of water to bed if he hits twice on the wall. He remembers his mother.
However, they never sleep alone. Every night they sleep with their life. The room is full of games, clothes, smoke, musicians, group dancing, people sitting, people crying, people laughing, old friends, fair lights, past loves. The room is the world of them but in silence. A world that fades like a slowly summer sighed.

2010-07-18T20:41:00.007+02:00

CLÀUDIA BRUFAU
DANCE EUROPE

¿Cuánto nos exigimos a nosotros mismos? ¿Hay alguien manipulándonos desde la sombra? ¿Cuántos sacrificios estamos dispuestos a hacer para conseguir la perfección? Son preguntas que toman vida en ‘Maryland’. La Veronal, una emergente compañía barcelonesa de danza dirigida por Marcos Morau, que toma como grandes referentes a Mats Ek y a Anne Thérèse de Keersmaeker, crea espectáculos en los que la danza es el nexo de unión entre la imagen, el texto y la música. En ‘Maryland’ el espacio escénico aparece desnudo como un hueco oscuro desde el cual nos habla Tanya Beyeler, la entrenadora que toma el rol del coreógrafo, Marcos Morau. El texto, escrito por Pablo Gisbert, que recita Beyeler con una actitud firme y una voz autoritaria, es proyectado sobre la pared del fondo. El objetivo de la entrenadora es explotar a su atleta, Lorena Nogal. El paralelismo entre entrenador-atleta y coreógrafo-bailarín se utiliza para profundizar en las relaciones de poder, asimismo como se nos imponen ciertos roles y qué precio pagamos para cumplirlos. Los temas y ritmos recurrentes de la música minimalista escogida enmarañan la escena en una atmosfera claustrofóbica.
A la atleta-bailarina se le exige que encarne el rol de mujer y el de hombre a la perfección. Lorena Nogal demuestra tener una técnica excepcional perdiendo, aparentemente, el control de sus extremidades y articulaciones. La bailarina recorre a lo largo del espectáculo una amplia paleta de registros, mientras que la entrenadora persiste en su actitud severa agotándola hasta la extenuación. Sin embargo Morau juega con la vulnerabilidad de la tirana, haciendo que se desmorone. La historia relatada carece de fin, de hecho tampoco tiene principio, ya que es un círculo vicioso sin escapatoria. Las interpretaciones de la bailarina y la actriz y las palabras de Gisbert cautivan al público intensamente. Definitivamente, el talento de Marcos Morau y el imaginario de ‘La Veronal’ son una joya por descubrir.

CLÀUDIA BRUFAU
DANCE EUROPE

How much do we demand ourselves? Is there anybody manipulating us from the shadow? How many sacrifices are we willing to make to chase perfection? These are questions that come alive in Maryland. La Veronal, an up and coming dance company of Barcelona directed by Marcos Morau, which takes as referents Mats Ek and Anne Thérèse de Keersmaeker, creates spectacles in which dance binds image, text, and music. In Maryland the stage appears as a dark gap from which Tanya Beyeler talks to us, the coach who performs the role of the choreographer, Marcos Morau. The text, written by Pablo Gisbert, that Beyeler speaks with a firm attitude and an authoritative voice is projected on the back wall. The purpose of the coach is to exploit the athlete, Lorena Nogal. The parallelism between coach-athlete and choreographer-dancer is used to deepen in power relationships, likewise as we are imposed certain roles and the price we pay to fulfil them. The recurrent themes and rhythms of the chosen minimalistic music tangle the scene in a claustrophobic atmosphere.
The athlete-dancer is asked to embody the role of woman and man perfectly. Lorena Nogal demonstrates to have an outstanding technique by losing, apparently, the control of her extremities and articulations. Throughout the piece the dancer undergoes through a wide range of registers, meanwhile the coach persists with her severe attitude exhausting her fill. However, Marcos Morau plays with the tyrant’s vulnerability by making her fall to pieces hilariously. The story told lacks an ending as well as a beginning, since it is vicious circle from which is difficult to escape. The dancer’s and the actress’s interpretations and Gisbert’s words capture the audience intensively. Definitely, Marcos Morau’s talent and La Veronal’s imagery are jewels to discover.

2010-07-18T04:20:00.008+02:00

Dirección y Coreografía Marcos Morau
Intérpretes Meritxell Balada, Cristina Facco, Cristina Goñi, Neus Masó,
Maribel Bayona y Julia Vicario.
Espacio Marcos Morau y Carmina S. Belda
Música Franz Schubert
Manager Fani Benages
En colaboración con Carme Teatre de València y Festival Emergències

Jours de pluie Images

Eran días de lluvia, cuando por la ventana de casa veía el agua bajar en torrente, golpeándome como la espuma de las olas golpea en los tobillos.
Eran días de lluvia y yo me hundía en el mar.
Eran días de lluvia y el mar atravesaba las paredes.
Jours de Pluie desarrolla, al compás del batir de las olas, un monólogo interior. Personajes que aparecen de la oscuridad y que desaparecen en ella, la pieza está inspirada en la obra de Virginia Woolf En las olas.

Those were days of rain, seeing through the window of the house the water falling down in torrents, beating me like the foam of the waves struck on the ankles.
Those were days of rain and I sank into the sea.
Those were days of rain and the sea crossed the walls.
Jours de Pluie develops, in time to the beat of the waves, an interior monologue. Characters that appear from the darkness and disappear in it, the piece is inspired by the work of Virginia Woolf The waves.

2010-07-17T17:22:00.002+02:00

2010-07-17T17:21:00.000+02:00

2010-07-17T17:20:00.042+02:00

El propósito y la finalidad del equipo artístico de La Veronal consiste en reproducir el mundo que les rodea como si fuera el reflejo de un mundo interior propio.
Su eco estético se apoya directamente en una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos, referencias culturales -cine, literatura, música y fotografía, principalmente- que apuestan por un fuerte lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales que dan forma al universo interior de sus personajes.
Su lenguaje coreográfico parte de una distorsión de la danza clásica que se cruza con elementos del teatro y del cine mudo, siempre sin olvidarse de una sólida base corporal donde la nueva lectura que se hace de la técnica sirve para acercarse a las preocupaciones actuales de la escena contemporánea.
Parafraseando a Truffaut “Las películas avanzan como los trenes en la noche”, y así es como se plantean las piezas de La Veronal, que inciden en el proceso de eliminación de los elementos superfluos para retratar una danza despojada donde todo se intuye.

The purpose and intent of the artistic team of La Veronal is to replicate the world around them as if it were a reflection of an inner world of their own.
Their aesthetic echo rests directly on a constant search for new expressive media, cultural references -film, literature, music and photography, mostly- who bet on a strong narrative language with the intention of forming global art spaces that shape the universe within their characters.
Their choreographic language starts from a distortion of classical dance, crossed with elements of theater and silent movies, not forgetting a solid corporal base. The new reading made of the technique is to approach current concerns of the contemporary scene.
Paraphrasing Truffaut “movies go along like trains in the night," and this is how the pieces of La Veronal are raised, affecting the process of removing superfluous elements to portray a stripped dance where everything is sensed.

InfluenciasReferences
Eric Rohmer, William Forsythe, Christoph Marthaler, Jeff Wall, Gisèle Vienne, Goldmund, Mats Ek, Edward Hopper, R.W. Fassbinder, Jean-Luc Godard, Virginia Woolf, John Cassavetes, Martina Hingis, Kings of Convenience, David Lynch, Ingmar Bergman, Stephen Daldry, Anne Teresa De Keersmaeker, El perro del mar, Tatiana Tarassova, Nan Goldin, Magdalena Jetelová, Andrew Wyeth, Giorgio de Chirico, Romeo Castellucci, Alain Resnais, Philip Glass, Max Richter, Eija-Liisa Ahtila.

EquipoTeam
Marcos Morau, Ludmila Vitsheva, Pablo Gisbert, Rebecca Praga, Carmina S. Belda, Tanya Beyeler, Enric Planas, North Howling, Lorena Nogal, Cristina Facco, Anna Hierro, Cristina Goñi, Inma Asensio, Meritxell Balada, Núria Guiu, Núria Navarra, Manuel Rodríguez, Sau-Ching Wong, Elia López.

ColaboradoresCollaborators
Rober Gómez, Michele Mastroianni, Cesc Gay, Edu Pérez, Lavinia Vila, Laura García, África Martínez, Guido Sarli, Cristina Núñez, Maria Velat, Julia Cambra, José Manuel Hortelano "Pi", Anna Berenguer, Mateo Capapé, Eva Torroba, Marta Porras, Marco Purcaro, Eulàlia Bergadà, Mari Carmen Mompó, Adriana Parra, Miriam Moreno, Álvaro de Pedro, Estitxu Zaldua, Tuixén Benet, Margherita Bergamo, Olmo Hidalgo, María Salguero, Julia Koch, Ares d'Angelo, Julia Vicario, Maribel Bayona, Elizabeth Taberner, Juan Guillén, Begoña Gorriz, Humberto Pitch, Mariana Rocha, Neus Masó, Jorge Salcedo, Blanca Tolsá, Laura La Manna, Maria Ferrer, Laura Fillola, Carla Morera, Iris Vilaró, Montserrat Asensio, Mònica Almirall, Albert Pérez, Marta Nogal, Isaac Forteza, Teresa Serrat, Siobahn Catarina Lawless, Neus Seguí, Carla Romero.

2010-07-17T17:20:00.039+02:00

Dirección Marcos Morau
Coreografía Marcos Morau en colaboración con los intérpretes
Guión y Texto Carmina S. Belda, Pablo Gisbert, El Conde de Torrefiel
Intérpretes Lorena Nogal, Anna Hierro, Cristina Facco, Núria Guiu,
Manuel Rodríguez, Núria Navarra, Sau-Ching Wong y Tanya Beyeler
Asistente de Coreografía Cristina Goñi
Profesora Cristina Facco
Espacio La Veronal
Diseño de Iluminación Enric Planas
Música Tchaikovsky, Stravinsky, composición original de North Howling
Fotografía Edu Pérez, Humberto Pich, Quevieneelcoco
Vestuario Mariana Rocha
Ilustración José Manuel Hortelano Pi
Manager/Producción Fani Benages Arts Escèniques
Ayudante de Producción Tanya Beyeler
Invitados Rebecca Praga, North Howling, Ludmila Vitsheva
Con la colaboración de Cesc Gay

Rússia Images

Rússia Video

"Nuestras relaciones no se dan porque queramos que se den, porque las deseemos. No se dan porque queramos obtener placer de esas relaciones, sino porque tenemos miedo".
Andrei Tarkovsky

El lago Baikal, situado en la región sur de Siberia, es el lago más profundo del planeta. Su volumen de aguas es tal que, si lo derramáramos en la superficie terrestre, ésta quedaría cubierta por una capa de veinte centímetros de altura.
Rússia es una imagen en movimiento, un viaje en coche hacia el lago Baikal.
Los protagonistas tienen enfrente una carretera que se hunde en el bosque.
Hay nieve en la carretera.
Rússia es grande y desconocida.
Están obligados a permanecer juntos, encerrados en el interior de un vehículo.
Pasan la noche escuchando programas de radio.
La carretera los conduce a estar cada vez más cerca del lago, sin embargo, nunca llegan a verlo. Desde el principio Rússia nace con la voluntad de no acabar nunca.
Rússia es la representación geográfica del miedo.

“Our relationships don't occur because we want them to, because we wish them. They do not occur because we want to get pleasure from such relationships. They do because we are afraid.”
Andrei Tarkovsky

Lake Baikal, located in southern Siberia, is the deepest lake in the world. Such is its water volume that if you spill it in the Earth's surface, the planet would be covered by a layer of eight inches high.
Rússia is a moving picture, a road trip to Lake Baikal.
The protagonists are in front of a road that plunges into the forest.
There is snow on the road.
Rússia is large and unknown.
They are forced to stay together, locked inside a vehicle.
They spend the night listening to radio programs.
The road leads them to be increasingly closer to the lake, however, they never get to see it.
From the beginning, Rússia born with the will of never ending.
Rússia is the geographical representation of fear.

2010-07-17T17:19:00.010+02:00

UNA DOSIS DE VERONAL

GABRIEL TRINDADE
EL MUNDO

La compañía de danza del valenciano Marcos Morau se encuentra en plena efervescencia. Tras haber participado en la edición de este año de la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo, La Veronal se arriesga ahora con la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca 2008.

Unas gotas de Veronal para volver a la vida. Algo de este antidepresivo, con el que Virginia Woolf se medicaba, para impedir el paso al tiempo que se escapa indolentemente. Una droga que ahora toma forma de compañía de danza y explora las inquietudes del coreógrafo Marcos Morau. Sobredosis de movimiento en el escenario para reflejar las relaciones humanas que se construyen, reformulan y se destruyen a lo largo de los años.

La Veronal es el proyecto personal de Marcos Morau. Una compañía de danza que nació hace cuatro años fruto de las inquietudes de un joven que apenas empezaba en el Institut del Teatre. Sin demasiados recursos y sólo con la confianza de bailarines que se sumaban al proyecto porque creían en él, Morau empezó a dar sus primeros pasos en el mundo de la danza profesional. «Los premios nos han hecho crecer. Antes, aun cuando la gente que me rodeaba creía en mí, yo tenía mis dudas. Los premios me han ayudado mucho a creer en la viabilidad del proyecto», explica.

Marcos Morau asegura que su mundo no es propiamente el de la coreografía. «Utilizo la danza para hablar de cosas que serían más propias del mundo del teatro o del cine pero que con el lenguaje abstracto de la danza toman un aire diferente». Por este motivo, con la Veronal, siempre ha querido llenar el escenario donde cada bailarín se transforma en una especie de actor, «Es algo raro, me gusta ver la evolución que hace un personaje cuando se le plantea un problema y debe solucionarlo, ya sea un problema de movimiento o de estado», explica. «Me gusta que los bailarines exploren el interior del personaje. No quiero tener que explicarlo todo», comenta. Pese a esto, Morau tiene claro que La Veronal es su proyecto y que, por lo tanto, todas las decisiones recaen en él. «Se puede hablar de creación conjunta en el sentido de que yo propongo y ellos me ofrecen. Dentro de la libertad está lo que yo quiero. Por ejemplo, no se trata de que improvisen un solo pero sí que este solo nazca de la improvisación», comenta.

El futuro de La Veronal está lleno de esperanzas así como de miedos. A esta obra que apenas empieza todavía le queda el nudo y el desenlace.

2010-07-17T17:18:00.013+02:00

Dirección y Coreografía Marcos Morau
Intérpretes Tanya Beyeler, Cristina Facco, Elia López, Anna Hierro, Lorena Nogal, Cristina Goñi, Núria Navarra, Julia Cambra, Blanca Tolsá, Laura La Manna, Maria Ferrer, Laura Fillola, Carla Morera, Iris Vilaró, Montserrat Asensio, Mònica Almirall, Albert Pérez, Marta Nogal, Isaac Forteza, Teresa Serrat, Siobahn Catarina Lawless, Maria Velat, Neus Seguí y Carla Romero
Asesoramiento Dramatúrgico Tanya Beyeler y Pablo Gisbert
Asistente de Coreografía Cristina Goñi
Diseño de Iluminación y Espacio Enric Planas
Música Bolero - Maurice Ravel, Overture 1812 - Tchaikovsky, La entrada, Amparito Roca
Con la colaboración de Formació Musical de Bellpuig

Los pájaros muertos Images

Ambientada en un universo representativo de la vida y obra de Pablo Picasso, Los pájaros muertos declama la constante desaparición de los hombres que se acercaron a la vida del pintor, el inevitable destino de los personajes que acompañaron a uno de los hombres más destacados del siglo XX y que compartieron con él los fructíferos y destructivos años de ese siglo. Sirviéndose de un pretexto pictórico, la pieza se adentra en un campo alegórico de guerras, viajes y amores. Sexo, Arte y Muerte construyen un retablo de imágenes evocadoras de la pasión con la que el pintor trabajó durante toda su vida.
Desde Málaga hasta Mougins, de Barcelona a París, Los pájaros muertos retrata un recorrido por los años y nombres que compartieron el tiempo, las ciudades y los cafés con Pablo Picasso a lo largo de los 92 años que vivió el pintor.

Set in a representative universe of life and work of Pablo Picasso, Los pájaros muertos recites the steady disappearance of the men who approached the painter's life, the inevitable fate of the characters that accompanied one of the most prominent men of the twentieth century and that shared with him the fruitful and destructive years of the century. Using a pictorial pretext, the piece enters into an allegorical area of war, trips and loves. Sex, Art and Death construct a tableau of images evocative of the passion with wihich the painter worked throughout his life.
From Malaga to Mougins,from Barcelona to Paris, Los pájaros muertos portrays a journey through the years and the names that shared time, cities and cafes with Pablo Picasso along the 92 years the painter lived.

2010-07-17T17:17:00.009+02:00

Dirección y Coreografía Marcos Morau
Bailarina Lorena Nogal
Intérprete Tanya Beyeler
Piano North Howling, Juan Guillén, Begoña Gorriz
Asesoramiento Dramatúrgico Pablo Gisbert
Vestuario Ludmila Vitsheva
Espacio Rebecca Praga
Diseño de Iluminación Enric Planas
Fotografía Carmina S. Belda
Música Philip Glass
En colaboración con Institut del Teatre de Barcelona - Servei de graduats

Maryland Images

Maryland Video

Maryland presenta el poder como arma históricamente reconocible.

Maryland es una carrera de fondo, una prueba de resistencia, la lucha constante por la perfección de un atleta y de su entrenador. El atleta, como el bailarín, es activo por su fisicalidad: activo ya que presente. El atleta, como el bailarín, artefacto histórico del movimiento preparado, manipulado, dirigido, como un arma. El atleta, como el bailarín, es el representante de la masa, el cuerpo ideal, cuerpo distinguido y preparado para explotar ante miles de ojos que lo observan y se identifican con cada uno de sus movimientos.
Por otro lado el entrenador, como el coreógrafo, dictador desde la sombra, manipulador desde el burladero, estratega de la guerra, cerebro que derrama sangre ajena, la voz del amo, del orden, de la disciplina, quien distingue el bien del mal, la guía que todo hombre anhela. El bailarín necesita ser guiado, el coreógrafo necesita guiar. Hemos nacido para esto, para ser esclavos los unos de los otros, pero ahora es el momento de empezar a entendernos.
Para la creación de Maryland, hemos trabajado durante meses las relaciones de poder; base de toda relación entre el amor y la economía. Sólo trabajando las relaciones de poder podemos llegar a entender el mundo, solamente trabajando las relaciones de poder podemos cambiar el mundo. Las relaciones de poder son históricamente, como señaló Karl Marx, la base del dolor del proletariado. Hasta que el pueblo no sea consciente de que el motor del mundo es el mismo proletariado, los activos pero dominados - los bailarines de esta danza -, el coreógrafo seguirá al margen del peligro.
No conocemos el nombre de los miles de soldados muertos en las batallas, pero si que reconocemos los nombres de sus generales, porque son los nombres de las calles de nuestras ciudades, de las calles en las que hemos nacido, de las calles de las ciudades a las que nos mudamos para encontrar la libertad, para encontrar nuestro nombre, para poder conseguir que una de esas calles tenga nuestro nombre, porque nos lo deben.
Todo en Maryland es una lucha de poder, una búsqueda fallida por encontrar el equilibrio y la armonía en una constante repetición del movimiento, porque sólo en el error se encuentra la perfección. La lucha de poder entre lo femenino y lo masculino, la lucha de poder entre el bailarín y su guía, la lucha de poder entre la música y el movimiento, la lucha de poder entre la coreografía y la improvisación, la lucha de poder entre las leyes y la vida, la lucha de poder entre las palabras y el corazón. Todo en Maryland es una búsqueda de lo sublime, la intersección de las fronteras para encontrar la tierra de nadie, donde poder empezar de una vez: poder empezar algo nuevo.
La música de Philip Glass se nos presenta como extrema repetición. Philip Glass representa su propio fracaso en su música. La música de Philip Glass quiere librarse de los patrones de composición clásicos, para encontrar un paisaje musical propio; pero la identidad individual, fuera de los patrones preestablecidos, siempre es una tierra salvaje.
La bailarina en Maryland no sabe si es hombre o mujer, si calla o habla, si las palabras son suyas, si las palabras son para ella o para el público, si se repite o se inventa. En definitiva la intérprete de Maryland no sabe si bailar o parar. Ella reconoce todas las relaciones de poder entre el arte y la sociedad, entre el estado y los ciudadanos, entre el intérprete y el coreógrafo. Su urgencia consiste en escaparse o someterse artísticamente para sobrevivir en su entorno.
El tiempo decidirá quién vence, la bailarina sólo puede bailar.
Nos interesa la danza por encima de las demás artes por su verdad física. Sólo con la acción podemos cambiar nuestro entorno, las palabras no son suficientes porque surgen del mundo de las ideas y las ideas actualmente ya no son suficientes.
En el mundo contemporáneo buscar la belleza se ha convertido en acto revolucionario. Los poetas son los verdaderos revolucionarios. La belleza permite separarse del mundo en continuo movimiento para rescatar algo bello de entre tanto dolor, el movimiento es una lucha contra la muerte. La danza es una lucha contra la muerte. Elegimos la danza como forma de vida revolucionaria, porque en el movimiento reside el cambio.

Maryland is about the power as an accepted historical weapon.
Maryland is a long term race, a resistance exam. It is the athlete and the trainer’s persevering fight for perfection. The athlete, as the dancer, is active due the body’s work. The athlete, as the dancer, is the historical artefact of the manipulated and guided movement as a weapon. The athlete, as the dancer, is the mainstream’s movement presenter, the perfect body which is outstanding and starts to blow up in front of thousands of eyes that look at it and identify with each one of their own movements.
Nevertheless the trainer, as the choreographer, dictator from the dark, manipulator from the laughing corner, war’s strategy, brain that spills the blood of others, the owner’s voice, of order, of the discipline, that distinguishes goodness and badness. It is the guide that everyone yearns for. The dancer needs to be lead. The choreographer needs to lead. We were born for that, to be slaves of others, but now is the time to start to understand each other.
For Maryland’s creation, we’ve worked for several months on research about the power relations between love and economy. Only working on the power relations we are able to understand the world. Only working on the power relations, we can change the world. The relationships are historically the base of proletarian’s pain, as Karl Marx said. Until the people aren’t aware that the world’s energy is the workers, active people yet dominated - the dancers of this dance -, the choreographer will be out of danger.
We don’t know the name of the thousands of dead soldiers at the battle. However, we recognize the tenant’s names because our streets and our cities have their names. The streets we were born in, of the cities where we have moved to to find freedom, to find our name, to become one of the names of one of those streets.
Everything in Maryland is a power relationship: a failed attempt to find the balance and the harmony in a continued repetition of movement, because perfection can only be found in mistake, the power fight between the feminine and the masculine, the power fight between the dancer and the trainer, the power fight between the music and the movement, the power fight between the choreography and the improvised performance, the power fight between the laws and life. The power fight between the words and the heart. Everything in Maryland is a search for the sublime. The crossroads
of the borders to find no one’s land to be able to start for once and for all: to be able to start something new.
Philip Glass’ music appears to be an extreme repetition. Philip Glass plays his own fail of his music. His music wants to break with the classical composition’s patterns to find his own musical scenery. But individual identity, away from established patterns, is always a wild land. The dancer in Maryland doesn’t know whether she is a man or a woman, whether she should talk or be silence, whether her words are her own, whether her words are for herself or for the audience or whether she is repeating herself or inventing herself. She doesn’t know whether to keep dancing or stop. She understands the power relations between art and society, between the state and the citizens, between the choreographer and the dancer. Her urge is to escape or submit herself artistically to survive in her context. Only time will decide who wins. The dancer can only dance.
We are interested in dance above all the other arts for its truthful side. Only by action can we change our surroundings. Words aren’t enough because they come from ideas and ideas are nowadays not enough. In contemporary world, to seek beauty has become a revolutionary act. Poets are the real revolutionary. Beauty enables people to become distant from the changing world to bring something beautiful out of all its pain. Movement is a war against death. Dance is a war against death. We choose dance as a revolutionary way of living. Change relies in movement.

2010-07-17T17:16:00.022+02:00

Dirección y Coreografía Marcos Morau
Intérpretes Anna Hierro, Cristina Facco, Inma Asensio, Lorena Nogal, Meritxell Balada, Elia López
Asesoramiento Dramatúrgico Pablo Gisbert
Vestuario Ludmila Vitsheva
Espacio Rebecca Praga
Diseño de Iluminación Enric Planas
Fotografía Humberto Pitch
Música El Conde de Torrefiel

Finlandia Images

Ciervos que bajan corriendo por las colinas. Bailarinas vestidas con ropa deportiva. El viento que empuja los árboles. Una guitarra sonando en directo. Nieve que cae sobre los tejados. Una espacio limpio y claro. No hay nada más. Tampoco hay nada más en Finlandia. Tenemos que inventárnosla.
Finlandia nos lanza a la acción. A la acción sin preguntas. Vamos a intentar forzar la nieve para que caiga un alud sobre nosotros. Vamos a ocupar, con el movimiento, el sentido del tiempo. A despojar la tierra de nieve y preguntarnos. El teatro apareció para saciar la mente. La danza nació para calmar el alma. Finlandia es la abstracción que buscamos, es el viaje a dos que nunca haremos. Pero nos gusta no poder hacerlo de momento.

Deers running down the hills. Dancers dressed in sportswear. The wind pushing the trees. A guitar playing live. The snow falling on roofs. A clean and clear space. Nothing else. But there is nothing else in Finlandia. We have to invent our Finlandia.
Finlandia launches us into action. Into action without questions. We will try to force the snow to fall on us a flood. Let's take, with the movement, the sense of time. Let's strip the land of snow and ask. The theater appeared to satisfy the mind. The dance was created to soothe the soul. Finlandia is the abstraction that we seek, is the journey for two that we will never do. But we like don't being able to do it right now.

2010-07-17T17:15:00.034+02:00

18 febrero 2012 - Russia en el Teatro Victoria Eugenia (Donostia-San Sebastián).
27 / 28 marzo 2012 - Los Pájaros Muertos en el 21º Festival de Teatro de Curitiba (Brasil).
28 abril 2012 - Russia en el Teatre Rialto - Dansa València (Valencia).

2010-07-17T17:14:00.023+02:00

Marcos Morau nace en Valencia. Se forma en Coreografía en el Institut del Teatre de Barcelona, el Conservatorio Superior de Danza de Valencia, el Centro Coreográfico de Teatres de la Generalitat Valenciana y el Movement Research de Nueva York, obteniendo la máxima calificación en el proyecto final de carrera. En los últimos años realiza su proyecto de ayudantía coreográfica en el Nederlands Dans Theater II y en la compañía IT Dansa.
Sus conocimientos artísticos no se limitan a la danza si no que se extienden hacia disciplinas como la fotografía o la dramaturgia, cursando el Máster en Teoría de la dramaturgia, donde realiza la asistencia con el coreógrafo Cesc Gelabert.
Destacan entre sus formadores Tomás Aragay, Hilde Koch de William Forsythe, Kazuko Hirabayashi, Roberto Fratini, Laura Marini de Rui Horta, Avelina Argüelles y Moreno Bernardi entre otros.
En 2005 crea “La Veronal” compañía formada por artistas procedentes de la danza, el cine y el teatro cuya finalidad del equipo artístico reside directamente de una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos, referencias culturales -cine, literatura, música y fotografía, principalmente- que apuestan por un fuerte lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales que dan forma al universo interior de sus personajes.
De su repertorio destacan sus piezas Maryland (2010), Suecia (2009), Slowly Summer Sighed (2008) y Jours de Pluie (2007) con las que ha conseguido tres primeros premios en certámenes coreográficos, así como una mención especial en la Feria Internacional de Danza de Huesca y una representación en la Bienal Internacional de Jóvenes Creadores de Europa.
Recientemente ha estrenado su último espectáculo en el Mercat de les Flors de Barcelona con la colaboración del cineasta español Cesc Gay.
En la última edición de la Copenhagen International Coreography Competition ha obtenido el 3er premio de coreografía, el premio a mejor intérprete para Inma Asensio y la invitación para realizar una pieza nueva para el Cross Connection Ballet de Copenhague.

Marcos Morau was born in Valencia. He forms in choreography at the Institut del Teatre de Barcelona, the Conservatorio Superior de Danza de Valencia, the Choreographic Centre of Teatres de la Generalitat Valenciana and Movement Research in New York, obtaining the highest score on the final project. In recent years he made his choreographic assistantship project in the Nederlands Dans Theater II and the company IT Dansa.
His artistic skills are not limited to dance but extended into disciplines such as photography and drama, studying the Master in Theory of drama, where makes an assist with choreographer Cesc Gelabert.
Its main trainers are Tomás Aragay, Hilde Koch from William Forsythe's, Kazuko Hirabayashi, Roberto Fratini, Laura Marini from Rui Horta, Avelina Argüelles , Moreno Bernardi and others.
In 2005 he created "La Veronal", company formed by artists from the dance, film and theater. The artistic team purpose lies directly on a constant search for new expressive media, for cultural references - cinema, literature, music and photography, mostly - to bet on a strong narrative language with the intention of forming global art spaces that shape the inner world of their pieces.
His repertoire include pieces like Maryland (2010), Suecia (2009), Slowly Summer Sighed (2008) and Jours de Pluie (2007).With them has won three major prizes in choreographic competitions, a special mention at the International Dance Festival of Huesca and a performance at the International Biennial of Young Artists from Europe.
He recently released his latest show at the Mercat de les Flors of Barcelona with the collaboration of the Spanish filmmaker Cesc Gay.
In the latest edition of the Copenhagen International Choreography Competition has won the 3rd prize for choreography, the best performer award for Inma Asensio and the invitation to perform a new piece for the Cross Connection Ballet in Copenhagen.

2010-07-17T17:13:00.024+02:00

2012

20/21/22 enero - Estreno Islandia en el Sat! - Sant Andreu Teatre (Barcelona).

2011

8/9 septiembre - Los Pájaros Muertos en Fira Tàrrega.
20 mayo - Finlandia en el Teatre Ateneu de Celrà.
12 mayo - Maryland en el Teatro Jofre de Ferrol.
30 abril - Finlandia en el Teatre Principal de Badalona.
19 febrero - Russia en el Teatre Bartrina de Reus.
8/9/10/11/12/13 febrero - Estreno Russia en el Mercat de les Flors.

2010

13 diciembre - Maryland en el DEM (Barcelona)
16 octubre - Suecia en La Cabrera (Madrid).
9/10 septiembre - Finlandia en Fira Tàrrega.
16 junio - Los Pájaros Muertos en la Casa Elizalde de Barcelona.
13 mayo - Finlandia en el C. C. Barceloneta de Barcelona.
7/8/9 mayo - Maryland en l'Antic Teatre de Barcelona.
1/2/3 mayo - Maryland en Dansa València.

2009

11 noviembre - Suecia en el Teatre Kursaal de Manresa.
16 /17 octubre - Suecia en la Sala Cuarta Pared de Madrid.
9 octubre - Maryland en el Festival Emergències de Valencia.
3 octubre - Slowly Summer Sighed / Jours de Pluie en el Teatro Regio de Almansa.
25/26 septiembre - Suecia en el Centro de las Artes de Sevilla caS.
28 junio - Los Pájaros Muertos en el Museu Picasso de Barcelona.
4/5/6/7 mayo - Suecia en Dansa València.
16 abril - Slowly Summer Sighed / Jours de Pluie en el saT! de Barcelona.
21 marzo- Slowly Summer Sighed / Jours de Pluie en L'Estruch de Sabadell.
3 febrero - Suecia en el Teatro del Mercado de Zaragoza.

2008

18/19 noviembre - Suecia en el Teatre Tantarantana de Barcelona.
6/7 septiembre - Slowly Summer Sighed / Jours de Pluie en la Sala Ovidi Montllor de Barcelona.
31 mayo - Jours de Pluie en La Fundición de Bilbao.
23 mayo - Jours de Pluie en la XIII Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo en Bari (Italia).

2007

16/17/18 octubre - En las Olas en el Carme Teatre de Valencia.

2010-07-17T17:12:00.007+02:00

Dirección y Coreografía Marcos Morau
Intérpretes Lorena Nogal y Anna Hierro
Vestuario Ludmila Vitsheva
Diseño de Escenografía Jorge Salcedo
Diseño de Iluminación Enric Planas
Música Kevin Volans, Tchaikovsky y El perro del mar
En colaboración con Institut del Teatre de Barcelona - Servei de graduats

Suecia Images

Suecia Video

Eligieron Suecia para esconderse del mundo.
Prefirieron no soñar. Silenciaron la enfermedad y la risa, se refugiaron del dolor y de la calma, rechazaron a la vejez y a la infancia. Quisieron vivir en un país perfecto. Pensaron que allí podrían estar solos.
Ella le explicó que en Suecia, el tiempo sólo les rozaría, y que escondidos, el tiempo no los desgastaría. En Suecia no había peligro.
Decidieron cambiar el viento de las montañas por el olor de madera de las estanterías. Prefirieron cambiar el mundo por cuatro paredes.
Prefirieron cambiar a las personas por su compañía. Porque en el fondo creían que era más bello.
Eligieron ser nostálgicos. Suecia era lo que no habían logrado conseguir, lo que no habían sabido no perder.
Suecia es el bosque nocturno donde esconderse del frío.
La Veronal quiere incidir en la inmortalidad del deseo.
El deseo inalcanzable como la poderosa razón de un posicionamiento en el mundo.
El viaje de unos personajes que son despojados de una candidez e inocencia inicial para destrozar la apariencia una vez situada en otro contexto. Reflexionar sobre la idea romántica de permanecer siempre en una burbuja blindada a la que el mundo no desgasta.
A medio camino entre la abstracción y la novela, Suecia no es una obra narrativa sino que trata de hilvanar conceptos y reflexionar sobre la evolución física y emocional de los monólogos internos de los personajes.
El umbral que separa la realidad de la ficción.
Las estructuras del ballet se alteran y enlazan con aspectos cinematográficos para crear la sensación de distorsión perceptiva. El lenguaje coreográfico conecta emotivamente con el espectador a través de su interacción con el elemento humano.
(...)

They chose Suecia to hide from the world.
They chose not to dream. They silenced the disease and laughter, took refuge from the pain and calm, refused the elderly and the childhood. They wanted to live in a perfect country. They thought that there could be alone.
She explained him that in Suecia the time would only rub them and that, hidden, time will not erode them. There was no danger in Suecia.
They decided to change the wind from the mountains by the smell of wood shelves. They preferred to change the world by four walls.
They preferred to change people by their company. Because, deep down, they thought it was more beautiful.
They chose to be nostalgic. Suecia was what they had failed to achieve, what they had failed to keep track.
Suecia is the night forest where hidding from cold.
La Veronal wants to influence in the immortality of desire.
The unattainable desire as a powerful reason for a position in the world.
The journey of characters who are deprived of an initial naivete and innocence to destroy the appearance once in another context. Reflecting on the romantic notion of staying forever in a bubble reinforced wich the world does not wear out.
Halfway between abstraction and novel, Suecia is not a narrative work but tries to string together concepts and reflect on the physical and emotional development of characters' internal monologues.
The threshold that separates reality from fiction.
Ballet structures are altered and link to film aspects to create a sense of perceptual distortion. The choreographic language connects emotionally with the viewer through its interaction with the human factor.
(...)

2010-07-17T16:00:00.008+02:00

La Veronal
Marcos Morau
marcosmorau@laveronal.com

Management
Fani Benages Arts Escèniques
fani@fanibenages.com
933 106 283

Follow us:

2008-10-05T03:00:00.000+02:00

banner creator

2008-09-26T17:53:00.002+02:00

Suècia habla de la relación entre un hombre y una mujer que avanzan por la inocencia, la adolescencia, el conflicto y el deseo. El frío los empuja y los acerca. Dos personajes curiosos y vulgares, asustados y sensuales que nos devuelven a este estado de inseguridad frente a uno mismo.

Dirección y Coreografía Marcos Morau Intérpretes Lorena Nogal y Anna Hierro Música Composiciones originales de Álvaro de Pedro y diversos cantantes suecos Diseño de escenografía Jorge Salcedo Diseño de iluminación Enric Planas Vestuario Ludmila Vitsheva Duración 40 minutos Estreno 18 y 19 de noviembre en el Teatre Tantarantana de Barcelona

Slowly Summer Sighed

Son las siete de la tarde y ella prepara un café que sabe que los mantendrá despiertos pero no le importa. Entonces recuerda cuando era niño. Sabe que se ha convertido en alguien que no tenía previsto ser. Todas las noches, acostados en la cama, a punto de caer dormidos se despiden. Cada uno en un lado de la cama. Los dos juntos pero durmiendo solos. Sabe que nadie le traerá un vaso de agua a la cama si da dos golpes a la pared. Sabe que su madre no está allí para traerle un vaso de agua a la cama si da dos golpes a la pared. Se acuerda de su madre… En Slowly Summer Sighed la habitación es el mundo de los dos pero en silencio.

Dirección y coreografía Marcos Morau g Intérpretes Meritxell Balada, Michele Mastroiani, Cristina Facco, Cristina Goñi, Neus Masó, Anna Hierro, Pablo Gisbert y Tanya Beyeler . Diseño de iluminación Enric Planas Diseño de escenografía Jorge Salcedo . Diseño de vestuario Adriana Parra . Música Fläskkvartetten . Duración 40 minutos

La Duración (Passengers)

Poner el tiempo a prueba. ¿Cuando empieza a ser demasiado?, ¿Cuando sabremos que llevamos juntos el tiempo suficiente?, ¿Cuando es el momento de acabar?, ¿A partir de qué minuto la separación es impensable, insoportable?, ¿Cuánto nos queda por vivir?, ¿Cuando nos echarán de aquí?

Dirección y coreografía Marcos Morau Intérpretes Meritxell Balada, Cristina Facco, Cristina Goñi, Neus Masó, Anna Hierro y Tanya Beyeler Diseño de iluminación Enric Planas g Diseño de escenografía Jorge Salcedo Diseño de vestuario Marcos Morau Música Biber y John Cage Duración 15 minutos

Jours de Pluie

Jours de pluie utiliza la caída de la lluvia como telón de fondo por contarnos la vida de una mujer. Sus miedos, sus recuerdos y sus deseos se reencarnan en unos personajes que pertenecen a ella misma con el fin de representar físicamente aquello que parece ser invisible.

Dirección y coreografía Marcos Morau Intérpretes Meritxell Balada, Michele Mastroiani, Cristina Facco, Cristina Goñi, Neus Masó, Anna Hierro, Pablo Gisbert y Tanya Beyeler Diseño de iluminación Enric Planas Diseño de vestuario Marcos Morau Música Philip Glass, Arvo Pärt, Franz Schubert y Cat Power Duración 15 minutos

Primer Premio Certamen Coreográfico de Sabadell 2007 y premio del público y Primer Premio Certamen Coreográfico de Salt 2008.

En las olas

Eran días de lluvia, cuando por la ventana de casa veía el agua grisácea bajar en torrente por la calle empinada, se estancaba en un rincón bajo y cuando parecía quieta, cuando más segura estaba, rompía la tierra en surcos hasta que se aventuraban solos y que nunca llegaban al mar. Un áspero sabor de sentimientos bajó al mismo tiempo por mi garganta, golpeándome como la espuma de las olas golpea los tobillos y apenas nos desequilibra.

Eran días de lluvia y yo tenía la impresión de estar hundiéndome en el mar, junto a mis cosas. Un mar que se cuela en mi casa atravesando las paredes, arrastrándome hasta el fondo y empujándome con fuerza hasta la superficie a ritmo de calma y oleaje. Una extraña sensación de que me recuerda el miedo a ahogarme en un mar que me parece eterno.

En las olas desarrolla, al compás del batir de las olas, un monólogo interiores, en el cual, una mujer viaja desde su infancia hasta un futuro incierto, atravesando por las imágenes que han dado sentido a su vida. Personajes que aparecen de la oscuridad y que desaparecen en ella, personajes que acompañan a la supuesta protagonista en un viaje salado por las paredes de su casa y por las calles bajo un paraguas. Un juego de claro oscuros dónde el agua arrastra a los personajes cabe al fondo de la historia.

Estreno el 16 de junio de 2007 en el Carme Teatre de Valencia dentro del Festival Emergències.

Dirección Marcos Morau y Carmina Sanchis Belda Coreografia Marcos Morau Texto Carmina Sanchis Belda Bailarinas Meritxell Balada, Cristina Facco, Cristina Goñi y Neus Masó Intérpretes Julia Vicario y Maribel Bayona Vestuario LaVeronal Espacio Sonoro Àlvaro de Pedro · Música Chopin, Georges Delerue, Nat King Cole Filmación i postproducción Carmina S. Belda Duració 45 minutos

El descenso de las hojas

El descenso de las hojas es el silencioso diálogo que se establece cuando una mujer se mira al espejo, cuando trata de encontrar en él una imagen actual de sí misma y el espejo sólo le devuelve los fragmentos de una historia del pasado que se resiste a desaparecer. Entonces, cuando ya no quiere volver, emprende un viaje hacia dentro, un descenso tranquilo hacia su propio recuerdo. Y allí, mezcladas con el olvido, que es negro y espeso, están las hojas caídas, las cuales veía en su jardín cuando era una niña y también las cuales bailoteaban bajo sus pies cuando algunos años después conoció a un soldado en París. Un pasado que quiere seguir siendo importante y al que sólo ella puede dar sentido al revivirlo una y otra vez.

Actuaciones: Biennal de Jóvenes Creadores de Europa en Italia 2008-Muestra Asociación Gerard Collins en l'Altre Espai de Valencia 2004.

Dirección y coreografía Marcos Morau Intérpretes Meritxell Balada, Cristina Facco, Cristina Goñi, Neus Masó, Tanya Beyeler , Laura Marini, Maribel Bayona, Elizabeth Taberner Espacio Marcos Morau y Carmina Sanchis Belda Música Skeeter Davis y Alberto iglesias Duración 35 minutos

El Mundo
por Gabriel trindade

Una dosi de Veronal

La companyia de dansa del valencià Marcos Morau es troba en plena efervescència. Després d'haver participat a la Biennal de Joves Creadors d'Europa i el Mediterrani de l'edició d'enguany, la Veronal s'arrisca ara amb la Fira Internacional de Teatre i Dansa d'Osca 2008
Unes gotes de Veronal per tornar a la vida. Una mica d'aquest antidepressiu, amb el qual Virginia Woolf es medicava, per barrar el pas al temps que s'escola indolentment. Una droga que ara pren forma de companyia de dansa i explora les inquietuds del coreògraf Marcos Morau. Sobredosi de moviment a l'escenari per reflectir les relacions humanes que es construeixen, reformulen i es destrueixen al llarg dels anys.

La Veronal és el projecte personal de Marcos Morau. Una companyia de dansa que va néixer fa quatre anys fruit del neguit d'un jove que tot just començava a l'Institut del Teatre. Sense gaires recursos i només amb la confiança de ballarins que se sumaven al projecte perquè hi creien, Morau va començar a donar les seves primeres passes en el món de la dansa professional. «Els premis ens han fet créixer. Abans, tot i que la gent que m'envoltava creia en mi, jo tenia els meus dubtes. Els premis m'han ajudat molt a creure en la viabilitat del projecte», explica.

Marcos Morau assegura que el seu món no és propiament el de la coreografia. «Utilitzo la dansa per parlar de coses que serien més del món del teatre o del cine però que amb el llenguatge abstracte de la dansa agafen un caire diferent». Per aquest motiu, amb la Veronal, sempre ha volgut omplir l'escenari amb històries narratives on cada ballarí es transforma en actor. «Potser sóc una mica antiquat però m'agrada veure l'evolució que fa un personatge quan se li planteja un problema i l'ha de solucionar», explica.

«M'agrada que els ballarins explorin l'interior del personatge.No vull haver d'explicar-ho tot», comenta. Malgrat això, Morau té clar que la Veronal és el seu projecte i que, per tant, totes els decisions rauen en ell. «Es pot parlar de creació conjunta en el sentit que jo proposo i ells m'ofereixen. Dintre de la llibertat hi ha el que jo vull. Per exemple, no es tracta que improvitzin un solo però sí que aquest solo neixi de la improvització», comenta.

El repertori de la Veronal té un denominador comú: el pas del temps. «Em fa por parlar del temps perquè només tinc 25 anys i, per tant, no he viscut massa. Però la manera com el temps canvia les relacions humanes és un tema que sempre m'ha inquietat», diu el coreògraf.

El futur de la Veronal està ple d'esperances així com de pors. A aquesta obra que tot just comença encara li queda el nus i el desenllaç.